Este arta un lux în timpul crizei? Ce trebuie să știm despre importanța sprijinirii artei | Artmarket Gallery

Este arta un lux în timpul crizei? Ce trebuie să știm despre importanța sprijinirii artei

by Admin

Ce rol joacă arta și artiștii în timpul crizei? Pentru mulți, întrebarea în sine poate părea retorică. Americanii, ca întreaga lume dealtfel, își concentrează energiile și direcționează resursele către supraviețuirea unei pandemii globale. Pe măsură ce decesele continuă să crească, piețele financiare scad considerabil, iar cifrele șomajului cresc, este clar că sunt necesare sacrificii personale și politice considerabile. În astfel de circumstanțe catastrofale, unii ar putea spune că arta este un lux dispensabil. În loc să dezbatem acest subiect retoric, este instructiv să privim înapoi la un studiu clar de caz: Decada tumultuoasă a Marii depresiuni, un moment istoric în care Statele Unite și instituțiile sale au fost testate cu mare atenție din cauza adversității, incertitudinii și fricii.

Președintele Franklin D. Roosevelt și-a preluat atribuțiile în martie 1933, când criza era la apogeu și efectele sale la cel mai înalt nivel. De la prăbușirea bursieră în 1929, șomajul a crescut de la 4% la 25%, iar produsul intern brut (PIB) real pe cap de locuitor a scăzut cu aproximativ 30%. Respingând abordarea laissez-faire a predecesorului său, Herbert Hover, FDR și noua sa administrație s-au pus imediat pe punctul de a adopta o serie de măsuri de reglementare și de ajutorare pentru a atenua situația dificilă a americanilor, în special a celor care au fost bolnavi și subnutriți, aproximativ o treime din populația țării.

Un aspect esențial al eforturilor președintelui de a restabili încrederea în rolul fundamental al guvernului de a oferi oportunități economice, locuri de muncă și condiții de trai decente a fost arta. Roosevelt a aplicat un proiect care a rămas în mod categoric controversată pentru adversarii sai conservatori din adunare, a luat decizia radicală de a mari și spori subvențiile culturale din tară.

În decembrie 1933, noua administrație a New Deal a inaugurat Proiectul pentru Lucrări Publice de Artă (Public Works of Art Project - PWAP), primul dintre programele sale culturale finanțate federativ. PWAP a fost de scurtă durată, cu doar câteva luni până în primăvara anului 1934, dar a fost urmat în 1935 de proiectul FwPA/FAP (Administrația Federală a lucrărilor de Artă), mai cunoscut. FAP, axat pe artele vizuale, a fost cel mai mare dintre cele cinci proiecte aflate sub egida celui federal, care a inclus programe pentru muzică, teatru și literatură, precum și istoriografia.

Spre deosebire de alte inițiative culturale New Deal — se remarca secțiunea de pictură și sculptură a Departamentului Trezoreriei prin proiectul Ajutor de la Trezorerie pentru Arta (Treasury Relief Art Project), în care au fost acordate finanțări pentru decorarea clădirilor federale prin concursuri. A rezultat un program de ajutor fiind oferite finanțări pentru 10,000 de artiști, dintr-o diversitate de domenii, inclusiv pictură, sculptură, și design grafic.

Artiștii angajați de FAP au fost încurajați să aleagă ca subiect un aspect al scenei americane contemporane. Doar propaganda politică sau exagerată a fost interzisă, iar Uniunea artiștilor, înființată în 1934, a lucrat neobosit — deși nu întotdeauna cu succes — pentru a păstra dreptul la libertatea de exprimare. Deși majoritatea lucrărilor de artă au fost create în stiluri realiste, proiectul a angajat de asemenea artiști care au experimentat cubismul, suprarealismul și variantele de abstractizare, inclusiv moderniste - Stuart Davis, Arshile Gorky și Lee Krasner. Lucrările de artă finalizate au fost apoi plasate în locații aprobate de guvern, cum ar fi școli, biblioteci și spitale, în locuri extinse precum Portland, Maine; Statesboro, Georgia; Nashville, Tennessee; și Washakie, Wyoming.

Sub conducerea națională a lui Holger Cahill, curator administrator, FAP a supravegheat de asemenea o divizie de Artă Murală. Ca și cele aproape 100 de centre de artă comunitare înființate în întreaga țară, arta murala a adus arta din exclusivitatea pieței private și din elitismul muzeului de artă în mijlocul unui public mai larg în spații mai ușor accesibile. Cahill a adoptat filozofia pragmatică a lui John Dewey de a-i responsabiliza pe americanii obișnuiți, transformând cultura într-un avantaj comun al comunității, în special în zone care au fost defavorizate de istorie, cum ar fi Harlem și Chicago, partea de sud a acestuia; În cazul în care înființarea unor centre de artă a permis americanilor africani să participe la o nouă renaștere culturală.

Milioane de afro-americani, afectați de sărăcie, au beneficiat de măsurile de ajutorare ale WPA și, pentru prima dată în istorie, alegătorii negri și-au adus sprijinul în folosul Partidului Democrat. Deși președintele nu a numărat printre realizările sale o legislație amplă privind drepturile civile, fiind obligat să facă compromisuri cu democrații din sud pentru a-și continua agenda de reformă, FAP a oferit americanilor africani oportunități fără precedent de a cultiva o resursă culturală vibrantă și colectivă. Numai activitățile Centrului comunitar de Artă din Harlem au văzut zeci de mii de oameni se bucură de expoziții de artă gratuite, în timp ce cursuri de desen, pictură, sculptură, printare și design erau disponibile în clase conduse de artiști respectați; Romare Bearden, Aaron Douglas și Jacob Lawrence.

Dacă comercializarea artei a fost însoțită de dezlocalizarea să în galerii, muzee și case private, ceea ce Cahill a considerat „fragmente estetice smulse din mediul lor social”, FAP a căutat o înțelegere și o apreciere mai cuprinzătoare a culturii, încercând să integreze arta cu experiența de zi cu zi. Mulți americani au întâlnit primele lucrări de artă originale, au primit educație artistică, au ascultat primele lor concerte și au participat la primele lor spectacole de teatru sub auspiciile proiectelor culturale sponsorizate de guvern.

Chiar și în perioada unei amenințări din ce în ce mai mari a fascismului în străinătate, combinată cu teama tot mai mare de comunism din tară, acest proiect a fost o provocare formidabilă pentru democrație până în 1939. Roosevelt confirmat angajamentul de a aduce cultura publică în centrul vieții sociale din Statele Unite. Într-o declarație radio dată în luna mai 1939 — cu câteva luni înainte de Pactul de neagresiune germano-sovietic și de invazia Poloniei de către Hitler — Roosevelt a insistat pe faptul că sprijinul pentru democrație și pentru artă este unul și același. Prin încurajarea artiștilor și a exercitării culturii artistice, democrația însăși a fost consolidată.

Deși artiștii au continuat să facă lobby pentru un program permanent de sprijin federal pentru artiști și în anii ’40, FAP a fost transformat pentru a servi doar nevoilor statului. Activitățile proiectului au fost încheiate în 1943. Prin acest proiect au fost create aproximativ 2,566 de lucrări de artă murală, 17.744 sculpturi, 108.099 picturi și 240.000 de tipărituri. În ciuda realizărilor remarcabile ale proiectului, PAF a fost întotdeauna o inițiativă ad-hoc al cărei scop și potențial au rămas încă neîndeplinite.

Efectele intreruperii proiectului au început să apară în timpul Războiului rece, când valentele sociale ale artei au fost asociate cu cultura sovietică, complet discreditată (a se citi: Cultura stalinistă). Multe ideologii progresiste au interpretat sprijinul adus artei de către stat ca aparținând colectivismului, acum repugant, dușman al noii ere consumeriste, alegând în schimb să sărbătoreasca virtuțile și triumful individualismului.

Dar la aproape un secol după ce F.D. Roosevelt a inclus cultura ca un semn distinctiv al democrației — în care arta aduce beneficii societății - nu ar trebui să fie viziunea îndepărtată a unei generații trecute. Ar trebui să ne inspire în privința modului în care am putea adapta fenomenul artistic odată ce noua provocare a pandemiei coronavirus este depășită. Aceste idealuri pot fi încă realizabile în timpul vieții noastre.